Como todos los años, dos miembros del talde hemos dedicado diez días de Septiembre al séptimo arte.

Queremos compartir con vosotros un resumen de algunas de las películas que tuvimos el placer de ver, en la intención de que os sirvan de referencia.

Como siempre, os invitamos a que guardéis un espacio para el cine…

Sección oficial

 Mundo injusto (Adikos Cosmos)

Película que viene avalada por el director griego, Filippos Tsitos, que no es ajeno al circuito festivalero. Ya se le ha visto con trabajos anteriores en la Berlinale y en Locarno, consiguiendo incluso algún premio.

Película, seguramente con un presupuesto ínfimo, pero con un planteamiento original.

Narra las peripecias de un funcionario de policía obsesionado con hacer del mundo un lugar más justo. Sotiris es un interrogador de la policía. Un día decide perdonar a todos aquellos pobres para los que la vida es injusta. Con la intención de salvar un alma inocente, llega incluso a matar a un guardia de seguridad corrupto.  Una solitaria mujer de la limpieza que se deja la piel para llegar a fin de mes, es el único testigo del crimen. Aunque ambos llegan a gustarse, parece ser que  amor, honradez y justicia no son fáciles de combinar.

Un tanto lenta, una película bien hecha y a ratos divertida.

La verdad que tiene un punto desolador que  me impresionó, y por ello me llamó la atención la crítica de este periodista del mundo con el que me sentí en parte identificada, aunque él ha llegado mucho más lejos. ¡Qué suerte”

 "La cinta es una auténtica bomba contra cualquier amago de optimismo. Y eso viniendo de un griego es mucho. Tan brillante como desoladora. Pocas veces se disfruta tanto las ganas irrefenables de suicidarse. Así de salvaje." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

 Fascinante película dirigida por el griego Filippos Tsitos. Con regusto nórdico a lo mediterráeo, la película, que mezcla humor y drama con gran elegancia, cuenta la historia de un policia juez que se compadece de aquellos a los que él juzga, y las decisiones que adopta ante ello lo acaban condenando.

Brillante y desoladora, opuesta a cualquier brote de optimismo pero muy recomendable.

 Los Marziano

La película habla de los argentinos puertas adentro, aunque es atípica para los cánones del cine nacional con aspiraciones masivas, quedando lejos del relato familiar marcado por los estereotipos que arrastran público en busca de la carcajada fácil.

De todas formas ese tipo de películas argentinas aquí nos entran muy bien, pero ésta no tanto.

A favor tiene buenos actores (mis preferidos fueron los secundarios de Rita Cortese y Mercedes Morán), y un humor sutil, rozando lo absurdo, de esos que no despiertan carcajadas pero sí alguna sonrisa o una risita.

Con algunas cositas interesantes, sentí que la trama se estancaba un poco, sobretodo ya más avanzada la película.

El guión lo veo simple y poco claro.

Es un film muy cercano al minimalismo, donde Ana Katz busca la empatía inmediata del espectador con los dos personajes principales, Juan (Francella) y Luis Marziano (Arturo Puig).

Para mi gusto flojita.

 Americano

Película inofensiva pero que se deja ver y que siendo correcta no apasiona ni te atrapa.

La película narra la historia del “descubrimiento” del protagonista hacia su madre, después de su muerte, a través de los personajes que la rodeaban.

Justamente para pasar el rato.

Las razones del corazón

Un exageradísimo melodrama que adapta la obra "Madame Bovary" de Gustave Flaubert y que nos cuenta la historia de una mujer enamorada perdidamente de su amante, aunque éste pase de ella. Esto, sumado a sus problemas con su hija y la fría relación que mantiene con su marido, la harán tomar la decisión más drástica que podría pasársele por la cabeza.

Ripstein retoma el drama puro y duro.

Extraordinariamente filmada en un blanco y negro que traspasa la pantalla

Y finalmente la redención a través del marido es una solución fantástica a tan trágica historia.

Es una película cruda, desnuda, cruel..

Va al fondo del corazón de esa mujer y su dolor. Yo conseguí verlo y me impactó.

The deep blue sea

Película que trata la relación imposible de la mujer de un juez y un piloto en el Londres de los 50. El tratamiento de la pasión, con un lenguaje excesivamente frío, y que no redondea la historia, donde la base teatral de la película no acaba de desligarse.

Si no es por la brillante interpretación de Rachel Weisz, se podría clasificar como prescindible.

No habrá paz para los malvados

Película salvaje de Enrique Urbizu que narra la trama del inspector Santos Trinidad en formato de thriller policiaco del siglo XXI, con Madrid y sus inmediaciones de fondo.

Con un arranque espectacular, podríamos calificarla de superficialmente brillante, donde no acaba de resultar del todo creible.

Enorme interpretación de Coronado, lo mejor de la cinta.

Take this waltz

Sara Polley dirige esta película donde cuenta la historia cursi del triangulo amoroso de una joven, su actual pareja y un tercer personaje que acaba resultando ser su vecino.

Guión plagado de casualidades, personajes inmaduros y pasajes absurdos.

Totalmente prescindible.

 Le Skylab

Es la cuarta película como directora de Julie Delpy (ya ha rodado la quinta), y escarba con humor y ligereza en una macrorreunión familiar en Bretaña en el verano de 1979, cuando el Skylab [estación espacial estadounidense] estaba a punto de caer sobre la Tierra. "Para mí la familia es importantísima pero no sé por qué, no soy capaz de explicarlo", dice la directora, que se guardó un papel para ella y así poder homenajear a su madre, fallecida hace dos años.

"Espero que la gente no piense tanto en que me he inspirado en mi familia, sino que busque sus propias referencias. Por eso la cámara se mete dentro de las comidas y del barullo, quería que no hubiera barreras entre la pantalla y el público. Para mí el cine es intentar que las personas olviden la realidad exterior". Pero era obligatorio preguntar por sus padres: "Eran ultraliberales y anarquistas. Me educaron como un animal salvaje, quiero decir de forma libre, con libertad para pensar y libertad artística". Por supuesto, Delpy sabe que no todas las familias son perfectas. Tampoco la de la película: "La familia no me gusta nada, a veces la odio, pero también me encanta que esté reunida. Es tan importante, en cierto sentido". Sin embargo, logra su objetivo inicial: "No quería sonar a nostálgica, yo no lo soy, sino, sencillamente, que Le Skylab fuera alegre, divertida".

Los pasos dobles

En forma de leyenda Lacuesta narra paralelamente las vidas de Augiéras y Barceló.

En un principio le propusieron rodar una película sobre el taller africano de Miquel Barceló, en el cual, el pintor se exilia para pasar largas y solitarias temporadas. Inmediatamente se le vino a la cabeza la historia que le contó un día su amigo, el famoso pintor, sobre un artista francés  que cubrió de pinturas un búnker en medió del desierto y lo dejó hundirse en la arena para que nadie lo encontrara hasta el siglo XXI. Al director, se le ocurrió narrar las historias del pintor francés Augiéras y la de Barceló al mismo tiempo. Pero lo que no querían era plasmar sus biografías al pie de la letra y de la manera convencional, sino contar un cuento y narrar una aventura que se enriqueciera además de las leyendas y culturas de los pueblos que la historia recorre. Y eso es exactamente lo que Isaki Lacuesta nos muestra, para algunas/os un cuento maravilloso con el que dejarse llevar y para otras/os una historia ininteligible.

El resultado es  un documental con tres historias paralelas que intentan explicar tres formas de vida. Y, ese, es su problema. Te pierdes un poco en la triple explicación que quiere hacer de un miembro expulsado de su tribu, de la obra maestra del pintor francés desaparecido o de los viajes de Barceló.

Todo ello en Mali.

Yo concretamente soy una de las que me quedé sin entender nada, por lo tanto me sobró la concha de oro para esta película, y como leí en una crítica posterior con la que estuve totalmente de acuerdo “dichosas/os las/os que disfrutaron con ella, yo no lo conseguí”.

Kiseki

Kiseki (Milagro), del maestro japonés Hirokazu Kore-eda.

Es una delicada narración sobre dos hermanos que viven separados tras el divorciado de su padre. El mayor desea más que nada el reencuentro familiar, el pequeño asume la situación. Los dos hermanos esperan un milagro que reunirá a su familia. Cuando se crucen los dos "shinkansen" (trenes bala) que van a abrir la nueva línea Kyushu, habrá un milagro. Este rumor es el principio de la historia.

Los dos protagonistas también son hermanos en la vida real.

 Película muy centrada en lo infantil que transita hacia la madurez.

"Siempre hago las películas para una persona concreta", explica Kore-eda sobre la génesis del proyecto. "Still walking era para mi padre. Esta es para mi hija, quiero que la vea cuando tenga 10 años. Por eso tiene ese tono suave, aunque sea para adultos”.

 

Hirokazu Kore-eda, considerado como uno de los directores más prestigiosos del cine japonés, presenta película por cuarta vez en San Sebastián. Sus películas After Life, Hana, y Still Walking compitieron por la Concha de Oro. Títulos como Distance y Nadie sabe, lo hicieron en el festival de Cannes.

Albert Nobbs

Valiente y elegante película ambientada en la Irlanda del siglo XIX, es la adaptación a la gran pantalla de la obra teatral “The singular life of Alberts Nobbs”.

Glenn Close interpreta a una mujer atrapada en un triángulo amoroso inusual donde vive disfrazada de hombre para poder trabajar y sobrevivir.

Película con alma donde se ponen sobre la mesa intrigantes cuestiones sobre el género, aunque deja muchas preguntas sin respuesta.

Bertsolari

1/ Documental que describe cómo ha llegado hasta las nuevas generaciones euskaldunes el arte del bertsolarismo. Con una estética espectacular y llena de efectos especiales, quizás le sobren algunos excesos sentimentales que la historia realmente no necesita.

No está mal, aunque peca en cierto modo de oportunista.

2/

Documental sobre la  tradición oral  centenaria en euskera. Tradición proveniente de las aldeas del interior y que ha ido evolucionando y desarrollandose por todo Euskadi. Una costumbre oral que, como dice un antiguo participante, se ha renovado y engrandecido gracias a las ciudades. Y eso es el futuro.

 Asier Altuna quiere que entendamos el proceso de aprendizaje, de formación y elaboración de esos bertsos surgidos de la improvisación y lo que piensan las personas que se dedican a ello.

Así nos acerca a los nombres y apellidos de alguno de sus protagonistas con momentos emotivos e imágenes de gran belleza. Hay escenas espléndidas: Las metáfora de caminar sobre el precipicio, la marcha atrás o el comienzo por el final….

Mostrar para quien no sabe, el mundo del "bertsolarismo" uniendo el pasado, presente y futuro en un tono poético y darle emoción, la misma que tienen los concursos cuatrienales, es lo que percibimos de este documental.

 Parece que Asier Altuna comulga con la idea de Jon Sarasua de no participar de la dimensión competitiva de la bertsolaritza, y así pareciera una poco difuminada esta parte cuando para muchos es precisamente la más interesante, la que hace que la bertsolaritza sea seguida por varios miles de aficionados y la que consigue que cada día las escuelas de bertsos estén llenas de niños y no tan niños.

A mí me gustó, me emocioné, disfruté de la belleza de las imágenes y de la poesía creada, aprendí de la tradición oral a través de la información ofrecida. Ya está, salí contenta. Mi única duda fue si era un documental hecho por y para vascos o era capaz de llegar a otras personas que no pertenecían a este pueblo. Deseaba que sí, por éll@s y por nosotr@s, es decir, habríamos conseguido salir de nuestra autocomplacencia, y eso es grande, para tod@s.

Zabaltegi

Ending Note

Documental dirigida por la japonesa Mami Sunada, que narra los últimos meses de vida de su padre después que le diagnosticaran un incurable cáncer. A modo de videodiario, el documental cuenta con tremenda dureza y sinceridad el final de la vida de un hombre, importante empresario, que deja su trabajo para organizar su muerte, junto a su familia.

Triste, desolador y fantástico trabajo, ajeno a la sensiblería.

 The tree of life (El árbol de la vida)

1/

El amor sana nuestras heridas.

La única manera de ser feliz es amando.

Una mujer entregada al amor, a la belleza, con una conexión espiritual.

Un hombre, su marido, militar de profesión y carácter. Duro por momentos con élla, con sus hijos, con él.

Una familia que tiene que enfrentar el dolor de la pérdida de uno de los hijos. Un hijo, el mayor, del que vamos conociendo su dolor, ligado a la figura de su padre, desde su infancia.

Qué vivimos, cómo nos sentimos de sol@s, impotentes, enfadad@s con la vida cuando esto sucede.

Encontrar la paz, el perdón en momentos así es algo de lo que pretende hablarnos este director en  esta propuesta cinematográfica.

La forma de hacerlo es una apuesta original en cuanto a imágenes que  por sí mismas conforman todo un lenguaje dirigido a nuestros sentidos, a nuestro interior. No trata tanto de cuestionar o explicar demasiado en torno al conflicto que plantea y sí más adentrarse, adentrarnos en esa parte nuestra, tan ignorada en la sociedad que conformamos, que tiene que ver con nuestra dimensión espiritual, algo que va más allá de lo que hemos conocido a través de la religión …, va al amor.

Hay momentos de mucha fuerza, toda la parte en la que aparece la relación familiar, con muy buenas interpretaciones y donde una vez más Brad Pitt está en su sitio.

Imágenes de la fuerza de la naturaleza que creo yo nos pretenden conectar con esa parte que es más grande que nosotr@s sol@s. En este sentido a mí se me ha hecho excesivo, en algún momento me ha parecido estar viendo un documental de la 2.., demasiado larga esta parte…La película se me ha hecho un poco larga, pero me ha gustado.

Buena propuesta. Felicitaciones

2/

Como película maravilla se nos ha presentado este último trabajo de Malick, con un guión fragmentado en tres partes donde narra la creación de la vida, el desenlace y la muerte.

Maravilla? fraude? Lo que si parece es que el director a vuelto a sorprender...  Un inicio repleto de belleza y muy esperanzador, un fragmento central con una trama deliciosamente narrada y un final que no llega a ser del todo creíble conforman una película irrepetible y difícil de calificar.

En cualquier caso, siempre a favor de la valentía.

Le Havre

Fantástica película del genial director finlandés Aki Kaurismäki, donde nos narra la historia de un famoso escritor bohemio que se establece en la ciudad portuaria de Le Havre, sin mayores pretensiones que la vida que le ofrece el barrio donde vive, hasta que un nuevo personaje se cruza en su camino…

Con un contexto atemporal, donde cada uno de los personajes que aparece lo identificamos con una época diferente, la película es como un cuento elegante y sentimental que nos indica cómo podía ser el mundo.

Una delicia altamente recomendable.

Pina

Homenaje de Win Wenders a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, en formato documental, que recoge las vivencias y testimonios de los que fueron sus colaboradores.

La fotografía, la música y el tempo con el que se muestra la película es un regalo que nos brinda el director alemán y un gran ejemplo de que las 3D pueden ser una buena aportación para el cine.

Espectacular poesía visual.

Shame

Esta película nos narra las vivencias de un joven treintañero en Nueva York, con serios problemas en torno al control de su vida sexual.

Salvaje y desgarradora, es un auténtico viaje por el lado más oscuro del ser humano.

Demasiado devastadora para ser recomendada.

Madrid, 1987

Nos cuenta la curiosa historia de un veterano escritor consolidado y una estudiante universitaria de primero que se ven obligados a compartir un pequeño episodio de sus vidas de forma accidentada.

Guión y dirección insuperables de David Trueba, apoyados en una gran interpretación de los actores María Valverde y José Sacristán.

Pequeño gran film.

Et maintenant on va oú?

Nadine Labaki ya nos había endulzado el año 2007 con su primera película, Caramel (Premio del Público y de la Juventud del Festival de San Sebastián) y su segunda realización encontró una amplia y calurosa acogida entre el público con esta versión actualizada de la comedia de Aristófanes, Lisístrata (que, por cierto, este año cumple los 2400 años de su estreno).

Si esta enérgica matrona ateniense, harta de las guerras de los hombres sin sentido ni fin, tenía la total certeza de que sólo si las mujeres toman la iniciativa se remediarán las desgracias que pesan sobre su país, Nadine Labaki comparte totalmente su opinión.

La idea se le ocurrió a la directora durante el estallido de violencia que sufrió Beirut en mayo de 2008. En ese momento acababan de anunciarle que estaba embarazada y se puso a pensar de qué sería capaz si tuviese que proteger a su hijo. La respuesta fue inmediata: de cualquier cosa y cualquier precio.

Una maravillosa imagen ilumina el inicio del film: un grupo de mujeres, todas vestidas de luto, avanza hacia el cementerio pero ni siquiera ahí podrán consolarse juntas. El camino divide el lugar en dos, la parte cristiana y  la musulmana.

Pero Nadine Labaki trata este doloroso tema desde la perspectiva del humor. Incluye momentos de verdadera comedia, números musicales, canciones.

Muy buena puesta en escena y capacidad de dirección de actores, dado que la mayoría de los actores son habitantes originarios de los pueblos de Taybeh, Douma y Mechmech, lugares donde se ha rodado la película.

Una película que lleva por título una pregunta, Y ahora, ¿adónde vamos?, que cobra todo su sentido con los últimos acontecimientos políticos de muchos países arabes.

Verla ha sido un placer.

Horizontes latinos

Las Acacias

Nacionalidad: argentina. Los argentinos no dejan de sorprender con su cine, ya sea comedia, construyendo historias al uso o con este cine pausado.

Es cine prácticamente minimalista. Una película que transcurre en la cabina de un camión y en unas pocas paradas en el viaje. De hecho, son pocas veces las que se encuadra la carretera y casi todos los planos son fijos.

Entrañable y optimista capaz de hacernos recordar que siempre se puede volver a empezar. Es una película radical en su desarrollo, pero por la fuerza de sus imágenes y el tratamiento de las situaciones y personajes, logra que te llegues a sentirte dentro de esa cabina, a sentir y comprender los sentimientos de los dos personajes adultos.

El film no se hace aburrido, todo lo contrario, te permite ir más allá de lo que ves y te hace sentir, entender y experimentar lo que estas dos personas desubicadas son capaces de pensar o sentir.

Si duda una muy buena experiencia cinematográfica. De acuerdo con seguir a este director tan personal.

Culinary Zinemira

Les emotifs anonymes

Película integrada dentro de culinarys zinemira.

Nos ha atraído porque en torno a este género hemos descubierto gratamente en varias ocasiones muy buenas películas. Me viene a la memoria “Estómago”.

Esta es una película simpática y de sabor a chocolate en la que nos pone en contacto con cómo nos podemos sentir las personas de bloqueadas cuando hemos dejado que el miedo sea el capitán de nuestro barco. Miedo a la vida, miedo a arriesgar, a responsabilizarse. Una historia de amor a la francesa. Fácil de ver.. y por lo visto de reirse.., así lo ha demostrado la gente que nos acompañaba.