Kaixo Lasarte!
Una nueva entrega de nuestro paso por el zinemaldi. Beti bezala, plazer bat. Eta Iruñakoek esaten duten bezala “ya queda menos pa..el siguiente san Fermín”. Jeje!. Aurtengoa ere edizio ona izan da, disfratu dugu. Eta hona hemen pelikula batzuk aukeratuak gure iritzia zuekin konpartitzeko. Hemendik aurrera et beti bezala, herrian ikusten gara, kultur etxean, tabernetan, ondoren peliei buruz hitzegiteko. GORA ZINEMA!!

NOUVELLE VAGUE

Traducido literalmente del francés, «nueva ola» . El apelativo nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada Cahiers du Cinéma (Cuadernos de Cine) se animan a dirigir películas tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes.
Entre ellos François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol y , su precursor Jean-Pierre Melville.[18]
No fue simplemente un movimiento cinematográfico: fue una explosión. Entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, surgieron en Francia literalmente cientos de cineastas que inauguraron un estilo de cine más personal, más experimental llegando a ser uno de los movimientos cinematográficos más influyentes en la historia del séptimo arte.
La película en su primera parte nos presenta este momento y a sus protagonistas, sus encuentros, cómo comparten sus ideas, los escenarios que les acogieron, sin prisa, y por supuesto el idioma en el que hablan, que aparte de ser francés es cinematográfico. Muy interesante sin duda, pero se me hizo un poco técnico, tedioso incluso. Interesante si me hubiera colocado en modo documental. Pero claro, me dí cuenta arde, una pena!.
Pero llega el momento de dejar las teorías, las palabras a un lado y pasar a la acción.
ACCION, y empieza la película. El rodaje de (À bout de souffle) titulada en España Al final de la escapada de Jean Luc Godard. A partir de este momento acompañamos con entusiasmo a un Godard que pasa sus buenos ratos convenciendo a su productor de que lo que está haciendo sin ningún guión escrito e improvisando n todo momento será interesante el día de mañana.
Divertida, inspiradora. Un canto a la libertad, a la invitación a jugar, a divertirse.
Magnífica. Cine dentro del cine.
Una pequeña joyita.

KARMELE

Última película de Asier Altuna. Basada en la novela de Kirmen Uribe. Es el propio Altuna quien escribe y dirige la cinta.
Teniendo como base el euskera en su desarrollo, van entrando según las circunstancias y las personas otros idiomas como el castellano y el francés. En ella se sirve de la historia de una joven enfermera vasca refugiada en Francia durante la Guerra Civil Española que se enamora de un trompetista con el que acaba emigrando a Venezuela al tiempo que sueña con volver a su tierra, argumento principal del libro en el que se basa. Los personajes están basados en personas reales: Karmele Urresti y Txomin Letamendi.
Yo no he leído el libro, pero diría que la película va más por otros derroteros. En ésta nos cuenta, nos habla de EUSKALERRIA, como pueblo, casi presentándonoslo como un país propio, independiente. Y así a través de estos dos personajes nos muestra su cultura, sus tradiciones, trabajo, idioma, lugares.. Y cómo este pueblo, a través de sus gentes, de Karmele (Jone Laspiur) y Txomin (Eneko Sagardoy), viven su propio drama, su propia guerra, su propio dolor. Un dolor vasco. Y es que una de las tramas principales, sino la principal, es la lucha por esa posibilidad de que en circunstancias tan adversas Euskalerria pueda ser reconocida como algo independiente de España y Francia, un pueblo sin yugos, con derecho a existir con nombre propio. Y ahí está Txomin, militante del PNV, aunque no se nombran siglas ni partidos, jugando un papel que más tarde ocuparía ETA, aunque todo esto siempre se ha llevado de tapadillo por parte del PNV.
Karmele nos recuerda la prohibición de hablar en euskera, la lucha propagandística interna contra el régimen de Franco, el odio hacia las tradiciones, las emigraciones constantes y en la medida de lo posible, la pobreza...
La película tiene una carga política evidente, interesante por momentos y repetitiva,
Karmele es una película bien realizada, bien narrada, bien interpretada, pero que nos deja un tono desesperanzado, sin una puerta abierta a la esperanza y al futuro. De todxs es bien sabido lo que el futuro deparó, aunque lo importante es la mirada. Buenas interpretaciones por parte de Jone Lasipur y Eneko Sagordoy.
Un film que aspira a recuperar un pedazo de la historia vasca .
Yo me emocioné.

BUGONIA

Último largometraje del griego, Yorgos Lanthimos.
Remake de la película coreana del 2003 "Salvar al planeta tierra". Aquí se han realizado algunos cambios, como por ejemplo que los dos secuestradores sean hombres y que el secuestrado, aquí sea una mujer.
El punto de partida es tan insólito como sugerente: dos apicultores convencidos de que la Tierra está a punto de ser aniquilada por extraterrestres infiltrados, secuestran a la directora general de una poderosa farmacéutica, interpretada por Emma Stone, seguros de que no es humana y de que planea destruir el planeta exterminando a las abejas durante un eclipse lunar.
La premisa, que parece sacada de una teoría conspiranoica , se transforma en un ejercicio de estilo y locura controlada que abraza lo absurdo sin caer en lo ridículo.
Con Bugonia, Yorgos Lanthimos vuelve a sumergirse en los delirios del ser humano moderno. Desde Canino hasta Pobres criaturas, Lanthimos ha explorado con lucidez perturbadora la naturaleza humana y la capacidad de los hombres y las mujeres para provocar el sufrimiento ajeno. En Bugonia lleva esta exploración al terreno del delirio colectivo: no hay sistema más absurdo que la conspiranoia, pero tampoco más funcional para explicar lo inexplicable. La película se convierte en un espejo grotesco del presente: la paranoia existente en nuestro mundo y en EEUU especialmente.
Bugonia confirma que Lanthimos no tiene intención de acomodarse.. Y una vez más, Emma Stone brilla en el centro del caos. Y es Lanthimos vuelve a contar con su musa, Emma Stone, con la que ya ha trabajado en Pobres criaturas, Kinds of Kindness y La favorita. Un magnífico Jesse Plemons, que se nota disfruta al máximo de su papel de fanático desquiciado. A su lado destaca el debutante Aidan Delbis, en un registro más contenido, pero igualmente perturbador.

LA GRAZIA

La grazia es el título de la última película de Paolo Sorrentino, el director de La gran belleza, que ha inaugurado el Festival de Cine de Venecia.
Es probablemente el cineasta italiano más importante de lo que llevamos de siglo, y que en cada uno de sus proyectos intenta ofrecer algo diferente y original. Su cine no es sencillo pero está claro que es sorprendente y esperado.
El director nos entrega una obra cómica, moderna , amena a interesante, con un esforzado guión, lleno de buenos diálogos, excelentes interpretaciones y puesta en escena elegante, sofisticada. . Aquí volvemos a encontrarnos con personajes carismáticos, tan propios de Sorrentino. Y es que ‘La Grazia’ también hace gracia. El inicio de la película está acompañado por música electrónica vibrante. A lo largo de ella sigue utilizándola al igual que el rap.
La sinopsis podría disuadir a algunos espectadores. Un presidente en crisis moral ante la firma de una ley sobre la eutanasia, pero curiosamente la película es sorprendentemente ligera.
La Grazia también supone el octavo reencuentro del director con Toni Servillo, que da vida a De Santis con una interpretación majestuosa y contenida. Le acompaña una notable Anna Ferzetti como Dorotea, la hija jurista que equilibra el respeto y el rigor institucional con la ternura filial, y una divertida Milvia Marigliano, arrolladora en cada una de sus apariciones.
Cinta de gran hondura moral y ética, tocando temas importantes y profundos, relativas a la religión, el amor, la muerte, la responsabilidad para con los demás, la dignidad y respeto personal .
Realmente lo que el presidente busca es la ligereza, ésta sería realmente la Grazia, frente al peso que siente que ha llevado toda su vida al dejarse absorver por un personaje que no quiere arriesgar, no quiere mojarse, que en el fondo tiene miedo, y éste le chupa sus sueños, su corazón y finalmente la ligereza que tanto anhela. Esa ligereza que siente cuando ve al astronauta flotando en su nave y le “cae” una lágrima que queda en suspensión. Qué belleza de escena!!
En esta película no coloca la estética por encima de lo que cuenta, sino que lo acompaña y lo coloca al mismo nivel que su mensaje.
A mí me ha gustado mucho y me lo he pasado muy bien, por lo que la recomiendo, claro.

ARO BERRIA

El primer largometraje de Irati Gorostidi, después un recorrido amplio en el cortometraje, que se ha estrenado en la sección Nuevos directores del Festival de Donostia.
Los primeros 25 minutos son una continuación, o quizás una ampliación, del cortometraje Contadores (que tuvo su estreno mundial en la Semana de la Crítica de Cannes). El corto era una detallada y muy interesante reconstrucción de las asambleas de trabajadores de la fábrica de contadores de agua de San Sebastián.. En la película se ahonda en este momento histórico transcendental para la clase obrera guipuzcoana y se cuenta qué ocurrió cuando este llegó a su fin. Gorostidi se centra en un grupo concreto de trabajadores, en aquellos más ambiciosos a la hora de utilizar las nuevas condiciones laborales como una herramienta para transformar la sociedad de manera radical desde la base. Cuando las semanas de huelga y protesta culminan en la firma de un convenio que no les satisface, algunos de ellos deciden abandonar sus puestos de trabajo e irse a la montaña,. D esta manera se formó la denominada comunidad Arco Iris, que se asentó originariamente en el Valle de Ulzama (Navarra). Una comunidad que les servirá como base para la construcción de una sociedad más justa, libre e igualitaria y de la que sus padres formaron parte poco antes de que ella naciera.
La directora se pregunta qué les lleva a estas personas a cambiar radicalmente de vida hasta decidir dejarlo todo atrás y vivir en comunidad. “Para mí, lo más importante de la película o el hilo conductor ha sido tratar de acercarme y entender qué fue lo que atrajo a miles de personas en los años 80 en Euskal Herria a participar en la comunidad, porque parece muy rupturista con todo lo que habían aprendido a nivel social e interno. ¿Hasta qué punto 40 años de dictadura dejan huellas en el cuerpo y el inconsciente? Me llamó la atención cómo después de ese proceso de militancia, de trabajo muy teórico, en la fábrica, de una vida centrada en lo laboral, empiezan a plantearse qué pasa con las estructuras tradicionales de la familia y se replantean las relaciones sexo afectivas”, reconoce.
La cineasta también reflexiona acerca de los prejuicios que rodean la comunidad Arco iris y el hecho de que en muchas ocasiones se relacione este tipo de comunidades con sectas. “Hay mucha prensa que habla de la comunidad Arco iris, pero no ha habido ninguna investigación posterior. Los medios de aquella época se referían a la comunidad como secta. Me parece importante que la película no tenga una mirada que juzgue ni las motivaciones para participar en los cursos o vivir en la comunidad, ni las prácticas que se llevaron a cabo. En ese sentido la película es abierta, aunque también contiene una visión crítica”, sostiene Gorostidi.
Es una película extraña, difícil de catalogar, pero muy interesante lo que plantea. Hay algo que falla, porque lo que plantea y y desde dónde surge en ella es una premisa fantástica. Pero algo falla, y es en la segunda parte.

MASPALOMAS

Los Moriarti ,Goenaga y Arregi esta vez, nos cuentan el viaje geográfico, pero sobre todo emocional, de Vicente. Del sol y la libertad en Maspalomas a la lluvia y la represión en Donosti, de la carne expuesta al alma encerrada, recordándonos que el cuerpo envejece, pero el deseo no caduca. Que salir del armario a los veinte es valentía, pero hacerlo a los setenta es revolución.
La película gira en torno a Vicente, interpretado por José Ramón Soroiz, un hombre homosexual de 76 años que se ve obligado a ocultar su orientación sexual al verse al ingresar en una residencia para personas mayores, tras reencontrarse con su hija, Nagore Aranburu, sin relación desde hace 25 años,
Se trata de una película arriesgada y valiente, tanto en la forma como en el fondo, abordando un tema "tabú", pero existente y por ello real, mostrando en sus primeros minutos escenas subidas de tono para el gran público, donde no se ocultan comportamientos sexuales del mundo gay, sin filtros ni elipsis alguna, de la vida del colectivo homosexual en Maspalomas.
Desde el momento del ingreso en la residencia, la película cambian completamente de tono y vamos viendo por las diferentes etapas que va pasado el protagonista, es poco amable y le cuesta adaptarse, convirtiendo su dolor en arma contra quienes lo rodean y provocando muchas heridas en su interior.
El envejecimiento y la sexualidad han tenido un bajo reconocimiento en nuestra cultura. Se da por hecho que la vejez implica una renuncia al deseo. Más aún, la sexualidad del anciano se presenta como ridícula, digna de la burla y hasta de la repugnancia.
Al igual que su antecesora, 80 Egunean, Maspalomas plasma el tabú de la homosexualidad en la vejez con emoción y acierto.
Apuesta por la delicadeza, por dejar que los silencios y las miradas hablen tanto como las palabras.

UN SIMPLE ACCIDENTE

La película viene con el aval de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y en Donostia se ha presentado en la sección Perlas del Festival.
Jafar Panahi es uno de los pocos directores que ha ganado los tres premios más importantes, La Palma de Oro en Cannes, El León de Oro de Venecia y el Oso de Oro en Berlín. La película ha sido la elegida por Francia para representarla en los Óscar 2026 en la categoría de película internacional.
"Un simple accidente" está llena de rabia, de indignación contra el régimen, porque Panahi la escribió y dirigió tras pasarse meses encarcelado por hacer cine, pero también tiene un humor irresistible.
La cinta es una suerte de road movie sobre la venganza y el perdón, en la que Jafar sorprende por su compasiva visión.
Su guión trata sobre cómo los servicios secretos persas abusan de sus detenidos, los torturan, los atormentan, los dejan marcados de por vida. Y todo ello plantea un debate: ¿corresponde una venganza, o “nosotros no somos como ellos?.
Eso sí, tiene mucho mérito que siga haciendo cine con tan poco presupuesto y en clandestinidad.

FIUME O MORTE!

Zuzendaria: Igor Bezinović
Gidoia: Igor Bezinović
Argazkia: Gregor Božič
Musika: Hrvoje Niksić, Giovanni Maier
Iraupena: 112 min


Igor Bezinović zuzendari kroaziarrak istorio bitxi bat dakar Fiume o Morte! dokumentalean, zalantzarik gabe historiako setio militarrik arraroenetako bat kontsideratu daitekeena. Eta, ziurrenik, ezezagunenetako bat ere bai.
1919ko irailaren 12an, Gabriele D’Annunzio poeta eta gerrazale italiarrak zuzendutako eta hirurehun bat soldaduz osatutako tropa batek Fiume portu-hiriari egin zion eraso, anexionatu eta Italiako Erreinuaren parte bilakatzeko asmotan. Azkenean, hiria okupatu zuten, eta D’Annunzio artista bat izatetik diktadore bilakatzera pasatu zen; hamasei hilabete iraun zuen okupazioak, eta, tarte horretan, haren argazki-talde ofizialak 10.000 irudi baino gehiago atera zituen. Fiume, gaur egun, Rijeka deitzen da, eta Kroazian dago.
Argazkilaritza lan hori oinarri hartuta, Bezinović 1919ko inbasio horretaz mintzatzen da modu hibrido batean, dokumentala eta fikzioa nahastuta. Zuzendariak hiriko biztanleei elkarrizketak egiten abiatzen du dokumentala, hirian okupazio horretaz ezer dakiten argitzeko, eta, horren bitartez, casting bat egiten du aldi berean, gerora hamasei hilabete horien eszenifikazio bat erakusteko. Bezinovićek bete-betean asmatzen du formula horrekin; eta eskuin muturraren indarra handitzen eta bere politikak ugaritzen ari diren honetan, obrak balio du, baita ere, herriak, okupazio faxista antzeztuta, bere narratiba historikoa aldarrikatzeko. Baita zuzendariak ere, hiri horretakoa baita bera ere.
Dokumentalak Rotterdamgo Nazioarteko Zinema Jaialdiko sari nagusia irabazi zuen, Tiger saria, eta Donostiako Zinemaldiko Zabaltegi-Tabakalera sailean lehiatu zen gero.

HISTORIAS DEL BUEN VALLE

Zuzendaria: José Luis Guerin
Gidoia: José Luis Guerin
Argazkia: Alicia Almiñana
Musika: Anahit Simonian
Iraupena: 122 min


Bartzelona ipar-ekialdeko Vallbonan, landa-munduaren eta hiri-munduaren arteko hiri inguruko auzo periferikoan, elkarrekin bizi dira gerraostearen ondoren heldutako lehen migratzaileen etxeak eta lo-hiriaren bloke berriak, migrazio berria biltzen dutenak, txoko xume hori benetako herrixka global bihurtuz.
Hamar urteren ondoren, José Luis Guerinek luzemetrai bat filmatu du, oraingoan Bartzelonako Vallbona erretratatuta. Hiru urtez izan zen auzo horretan bizilagunen egunerokoa eta haien izaerak grabatzen, eta ohartu zen, dokumentalean ikus daitekeenez, “munduko metafora handiak” bilduta daudela Vallbonan. Etxebizitzen espekulazioa, gentrifikazioa, baratzeei eragiten dien klima aldaketa, identitate gatazkak eta beste hainbat gai agertzen dira protagonisten elkarrizketen eta ekintzen artean.
Film kolektibo bat aurkezten du Guerinek, istorio eta testigantza oso interesgarri eta humanoz betea. Toki bat eta han bizi diren pertsonak duintzeko eta goratzeko dokumental bat da Historias del Buen Valle, hain justu; begirada humanista eta lasai bat egungo munduarekiko, eta bizilagun horien bizitzekiko eta haien egunerokotasunarekiko.
Guerinek beste dokumental ikaragarri bat osatu du, 2001ean kaleratu zuen eta Bartzelonako Raval auzoan giroturiko En Construcción-en antzerakoa, eta horren erakusle da Donostiako Zinemaldiko Sail Ofizialean saritu zutela Epaimahaiaren Sari Bereziarekin.

LOS DOMINGOS

Zuzendaria: Alauda Ruiz de Azúa
Gidoia: Alauda Ruiz de Azúa
Antzezleak: Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Mabel Rivera, Nagore Aranburu
Argazkia: Bet Rourich
Iraupena: 115 min


Los Domingos-en protagonista Ainara da, hamazazpi urteko gazte idealista eta apartekoa. Unibertsitateko zein karrera ikasiko duen erabaki behar du; hori espero du, behintzat, bere familiak. Gazteak, ordea, jakinaraziko du Jainkoarengandik gero eta hurbilago sentitzen dela, eta klausurako moja bilakatzea planteatzen duela. Albisteak ustekabean harrapatuko du familia osoa, amildegi bat sortuko da, eta senide guztiek proba erabakigarri bati egin beharko diote aurre.
Alauda Ruiz de Azúa Los Domingos-ekin lehiatu da lehen aldiz Donostiako Zinemaldiko Sail Ofizialean, eta oraingoan ere, Cinco Lobitos-ekin egin zuen modura, familia bateko kideen arteko harremanak eta dinamikak aztertu ditu; besteak beste, senide horien arteko loturak zeinen hauskorrak diren, eta ideia soil batek nola eraitsi ditzakeen ustez sendoak ziren ziurtasun guztiak. Gidoi eta antzezlan sinesgarri eta eraginkorretan oinarrituta, filmak bete-betean asmatzen du dilema eta jarrera desberdinak aurkeztu, eta horien guztien arteko talkak planteatzerakoan. Horren guztiaren erakusle, Urrezko Maskorra irabazi zuela Donostiako Zinemaldian.
Bi jarrerako premisa batetik tiraka aritzen da Ruiz de Azúa film osoan. Eta horrek tentsio interesgarri bat plazaratzen du: modu batera esanda, sinetsi ala ez erabaki behar dutenen, eta sinesten ez dutela erabaki dutenen artean. Bati eta besteari ematen dio tokia zuzendariak, edo hori saiatzen da, behintzat; eta ez du bi aldeetako inor lehenesten, edo bietako inori arrazoia ematen.

NUESTRA TIERRA

Zuzendaria: Lucrecia Martel
Gidoia: Lucrecia Martel, María Alché
Argazkia: Ernesto De Carvalho
Musika: Alfonso Olguín
Iraupena: 122 min


2009an, gizon bat eta bi konplize Argentina iparraldeko Chuschagasta komunitate indigenako kideak handik ateratzen saiatu ziren. Lurraren jabetza aldarrikatuz eta pistolaz armaturik, liskar betean, komunitate horretako buruzagi Javier Chocobar hil zuten azkenik. Hilketa bideoan jaso zen. Bederatzi urte geroago eta hainbat protestaren ondoren, 2018an prozedura judizialak ireki zituzten azkenean. Ordura arte, hiltzaileak libre egon ziren.
Martelek Chocobarren hilketa berreskuratzen du indarkeria kolonialaz aritzeko. Artxiboko irudien, lekukotzen eta espedienteen artean, egun Argentina deitzen deneko indigenen kontrako bazterkeria azaleratzen du dokumentala; batez ere, heriotza horren inguruko epaiketaren nondik norakoak jarraituta. Memoriari buruzko film bat da; erresistentziaren indarrari buruzkoa ere bai.
Eta horrek guztiak balio du lurralde gatazkaren, edo, oro har, kolonialismoaren osteko gatazkaren konplexutasuna bere osotasunean ulertzeko. Eta agerian geratzeko kapitalismoak zer lotura duen horrekin, eta memoriaren, identitatearen eta kultura indigenaren aldeko borrokaren garrantzia zeinen handia den, preseski, indigenentzat. Horren inguruko dokumentala da Nuestra Tierra.
Hamahiru urte iraun duen lan kolektibo baten ondorio da filma. Hamahiru urte espediente judizialak irakurtzen, eta antropologoekin, historialariekin eta kazetariekin batera, kasu zehatz baten piezak elkartzen. Veneziako Zinema Jaialdiko Sail Ofizialean aurkeztu zuten, lehiaz kanpo, eta, gerora, Donostiako Zinemaldiko Horizontes Latinos sailean.

ORWELL: 2+2=5

Zuzendaria: Raoul Peck
Gidoia: Raoul Peck
Ahotsa: Damian Lewis
Argazkia: Julian Schwanitz, Ben Bloodwell, Stuart Luck, Maung Nadi, Roman T
Musika: Alexeï Aïgui
Iraupena: 119 min


George Orwellen distopia XXI. mendera ekarri du Raoul Peck zuzendariak Orwell: 2+2=5 dokumentalean. 1984 liburua oinarri hartuta, eta analogiak erabiliz, Orwellek obra horretan deskribaturiko gertakariak erakusten ditu Peckek, idazlearentzat garai hartan distopikoak zirenak, baina gaur egun egia bilakatu direla.
Peck ur handitan sartzen da egungo egoera aztertzerakoan Orwellen azken liburuaren bitartez, baina modu eraginkorrean lortzen du bi garaien arteko elkarrizketa eta harremana egitea. Zuzendariak XX. mendeko klipak, idazleak bere egunerokoan idatzitako esaldiak, zinema-erreferentziak eta egun grabaturiko irudiak uztartzen ditu, agerian uzteko zeinen profetikoa bilakatu den Orwellen lana. Eta, bidez batez, idazlearen soslaia sakonago aurkezteko.
Edonola ere, dokumentalaren ideia nagusia idazleak duela 70 bat urte idatzitakoak dira. Eta baliteke ikusleren batentzat edo besterentzat errepikakorra izatea film osoan zehar ia ideia garrantzitsu berbera behin eta berriz errepikatzea, baina agian hori da, hain justu, obrak helarazten duen mezua.
Paralelismoak agerikoak dira, eta zuzendariak horregatik hautatu du, besteak beste, AEBetako Donald Trumpen, Errusiako Vladimir Putinen, Israelgo Benjamin Netanyahuren, Indiako Narendra Modiren eta Frantziako Marine Le Penen irudiak agertzea. Pecken dokumentalak gaurkotasun handia du, zalantzarik gabe. Zinema jaialdi garrantzitsuenetako zenbaitetan izan da, gainera; hala nola, Canneskoan, Cannes Premiere sailean, eta Donostiakoan ere bai, Perlak sailean.

SENTIMENTAL VALUE

Zuzendaria: Joachim Trier
Gidoia: Joachim Trier, Eskil Vogt
Antzezleak: Renate Reinsve, Elle Fanning, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas
Argazkia: Kasper Tuxen
Musika: Hania Rani
Iraupena: 135 min


Nora eta Agnes ahizpek haien aita karismatikoarekin egingo dute topo berriz ere, tarte batez harengandik aldenduta egon ondoren. Gustav da haien aita, izen handiko zuzendari ohi bat; beste film bat egitekoa da, eta bere alaba Norari –antzerkiko aktoreari– rol bat eskainiko dio. Norak ezetz erantzuten dio, eta, gerora, jakingo du aitak Hollywoodeko izar gazte eta sutsu bati emango diola rol hura. Bat-batean, bi ahizpek aitarekin duten harreman konplikatua kudeatu beharko dute, familia-dinamika korapilatsu horretan bere burua sartuta ikusiko duen izar estatubatuar bati aurre egin behar izateaz gain.
Sentimental Value Joachim Trierren ibilbideko filmik osatuena eta sakonena da. Familia baten barne dinamikak, harremanak, osasun mentala eta traumak aztertzen ditu Ingmar Bergmanen filmografia oroitarazten duen obra borobil honetan, lurralde emozional sakon eta gogorretan murgilduta. Eta hori, zuzendaritza eta gidoigintza lan ikaragarriaz gain, lau aktore protagonisten antzezlan bikainaren ondorio ere bada.
Erritmo geldi eta istorio intimo bati esker, ikusleak emozioen zurrunbilo batean murgilduko dira, ikusteko aita ignorante eta ardurarik gabea nola saiatuko den bere bi alabengana hurbiltzen. Trierren obra borobil hau Cannesko Zinema Jaialdian lehiatu zen, eta Epaimahaiaren Sari Nagusia jaso zuen; gerora, Donostiako Zinemaldiko Perlak sailean.

TABI TO HIBI

Zuzendaria: Sho Miyake
Gidoia: Sho Miyake
Antzezleak: Eun-Kyung Shim, Yuumi Kawai, Shinichi Tsutsumi, Mansaku Takada, Shiro Sano
Argazkia: Yuta Tsukinaga
Musika: Hi’ Spec
Iraupena: 89 min


Udan, Nagisak eta Natsuok elkar ezagutzen dute, kostaldean. Bien begirada hutsak bata bestean islatzen dira, elkarri baldarki hitz egiten diotela eta euriak blaitutako ozeanoan barneratzen direla. Neguan, Li, sormen krisian den gidoilari bat, elurrez estalitako herri batera joaten da, mendialdean. Ostatu bitxi eta hondatu batean hartzen du aterpe, eta Benzo topatuko du han, hotelaren zuzendari enigmatikoa. Elkarri hitz egiten dioten arren, ez dute apenas konektatzen, baina ezusteko abentura bati ekingo diote.
Éric Rohmerren eta Hong Sang-sooren influentziak agerikoak dira Sho Miyakeren azken filmean, Locarnoko Zinema Jaialdian pelikularik onenaren Urrezko Lehoinabarra irabazi zuen Tabi to Hibi-n. Drama poetiko bat da, harremanak eta konexioak modu minimalista eta lasai batean aztertzen dituena, ikuspuntu erabat humanista batetik. Film bat da film baten barnean, istorioak aurrera egin ahala agerian geratzen denez, bikoteez eta kopiez osaturiko bi istorio erabiltzen baititu zuzendariak, bi hitz horien esanahien zentzu guztietan, helarazi nahi dituen ideiak pantailaratzeko.
Sho melodramatik aldentzen da, eta apustua egiten du narratiba lasai eta neurtu bat erabiltzeko; asko esaten du gauza gutxirekin, finean, eta hori eraginkorra zaio. Bakardadea, deskonexioa, sorkuntza prozesua; horiek dira filmaren gaiak. Locarnotik igaro ostean, Tabi to Hibi Donostiako Zinemaldiko Zabaltegi-Tabakalera sailean lehiatu zen.

THE PRESIDENT’S CAKE

Zuzendaria: Hasan Hadi
Gidoia: Hasan Hadi
Antzezleak: Baneen Ahmed Nayyef, Sajad Mohamad Qasem, Waheed Thabet Khreibat, Rahim AlHaj
Argazkia: Tudor Vladimir Panduru
Iraupena: 105 min


Irak zigor ekonomikoak jasaten ari da, eta herritarrak egunero ari dira borrokan bizirik irauteko. Testuinguru horretan, Sadam Huseinen urtebetetzea iristen da, eta Lamiari, bederatzi urteko neskato bati, egokitu zaio Huseinen urteak ospatzeko nahitaezko tarta prestatzea. Bere indioilarrarekin batera, osagaien bila joaten da; tartarik egin ezean, espetxeratu egin dezaketelako.
The President’s Cake Hasan Hadi zuzendariaren lehen fikziozko filma da. Huseinen agindupeko Iraken nola bizitzen ziren erakusten du neskato baten ikuspuntutik. Herrialdearen kontrako zigor ekonomikoek are gehiago zailtzen dute egunerokoa, eta pelikulak agerian uzten du zeinen zaila zen egoera horretan oinarrizko jakiak lortzea. Desesperaturiko gizarte bat ageri da, eta herritarren argi eta ilunak zeintzuk diren.
Hasanen estreinako filma, ezinbestean, sentsiblea da, poetikoa, salaketa bat ere bai, eta ikuslea sakonki emozionatzen duena. Istorio txiki baten bitartez, zuzendaria kontrolaz, beldurraz eta inozentzia galtzeaz aritzen da testuinguru zehatz horretan. Eta aktore protagonisten antzezlanak, gainera, sinesgarritasun handia ematen diote filmari, eta indartu egiten dute Hasanek bidali nahi duen mezua.
The President’s Cake Cannesko Zinema Jaialdiko Zinemagileen Hamabostaldian aurkeztu zuten, eta opera primarik onenaren Urrezko Kamera saria eman zioten Hasani. Gerora, Donostiako Zinemaldiko Perlak sailean izan zen.

THE VOICE OF HIND RAJAB

Zuzendaria: Kaouther Ben Hania
Gidoia: Kaouther Ben Hania
Antzezleak: Saja Kilani, Motaz Malhees, Clara Khoury, Amer Hlehel
Argazkia: Juan Sarmiento G.
Musika: Amine Bouhafa
Iraupena: 89 min


Egiazko istorio bat fikzio bilakatu dute The Voice of Hind Rajab-en. 2024ko urtarrilaren 29an, Zisjordaniako bulegoan, Ilargi Erdi Gorriko boluntarioek larrialdi-dei bat jaso zuten; 6 urteko neskato bat zen, eta auto batean harrapatuta zegoen Gazan, Israelgo armadaren tiroen artean, erreguka, erreskata zezaten. Boluntarioak hura telefonoan mantentzen saiatzen ziren bitartean, anbulantzia bat bidaltzeko ahalegin oro egin zuten. Hind Rajab zen neskatoaren izena.
Kaouther Ben Haniak, egiazko tragedia bat hartu, eta itogarria den suspense thriller bat aurkeztu zuen Veneziako Zinema Jaialdian –Epaimahaiaren Sari Nagusia jaso zuen–. Erritmo bizi bati eta aktoreen lan ikaragarriari esker, entzuleak ez du une bakar batean ere galduko arreta, eta filmak irauten duen ordu eta erdia pantailari itsatsita igaroko du, desesperazioaren lekuko, eta protagonisten arteko barne eztabaidak eta desberdintasunak aztertzen. Tentsioz beteriko uneak dira, kasik arnasa hartzeko momenturik gabe, eta hor nabari da gidoi eta zuzendaritza lana.
Eta filmak, berez, bere helburuetako bat betetzen du, Israelgo armadaren genozidioa salatzea. Baina, aldi berean, zalantzak eragiten ditu zuzendariak hori egiteko erabili duen moduak: ikuslearen sentsibilitatearekin jokatzen du drama humanoa ikuskizun bilakatuz. Are, Hind Rajaben egiazko ahotsa eta zorigaiztoko egun hartan Ilargi Erdi Gorrikoei esandakoak erabiltzen ditu.
Venezian aurkeztu ondoren, filma Donostiako Zinemaldiko Perlak sailean izan zen, eta Publikoaren Saria lortu zuen, baita Eusko Jaurlaritzak emandako Agenda 2030 Euskadi Basque Country saria ere.

UN POETA

Zuzendaria: Simón Mesa Soto
Gidoia: Simón Mesa Soto
Antzezleak: Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Allison Correa, Margarita Soto, Humberto Restrepo
Argazkia: Juan Sarmiento G.
Musika: Matti Bye, Trio Ramberget
Iraupena: 122 min


Óscar Restrepo da filmeko protagonista. Poeta bat da, eta ez da gai izan literaturan hasi zenean espero zitzaion etorkizuna izateko; horiek horrela, ahal duen moduan ateratzen da aurrera ama zaintzen duen bitartean. Momentu batean, bere burua behartuta ikusten du irakasle postu bat hartzera, eta orduan konturatuko da Yurlady izeneko bere ikasle nerabe bat bere oso antzekoa dela: poesiaren diamante landugabea. Ikaslea laguntzen saiatuko da orduan, etorkizun bat izan dezan poeta modura.
Umore absurdoz eta beltzez beteriko film bat da Un Poeta; batez ere, bere protagonista nagusiarengatik. Denetarik gertatzen zaio Óscarri, eta badirudi kondenatuta dagoela zorte onik ez izatera. Hori da pelikularen arlo indartsuetako bat, protagonistaren bidaia ikustea, eta nola ahalegintzen den gauza onak egiten.
Barregarria eta tragikoa da maila berean, eta ez, hain justu, ohiko kodigoak erabilita, nahiz eta gidoiak hartzen dituen norabideetan eta narratiba ereduan berritasunik ez izan. Harago joanda, pertsonen eta Latinoamerikako kulturaren egoeraren azterketa bat ere bada filma, erakusten baitu gizon bat nola borrokatzen den dena komertzializatu nahi duen mundu baten kontra.
Un Poeta Cannesko Zinema Jaialdian aurkeztu zuten, Un Certain Regard sailean, eta Epaimahairen saria jaso zuen. Gerora, Donostiako Zinemaldian ere saritu zuten, Horizontes Latinos saileko Horizontes Make & Mark sariarekin.